Hiroshi Sugimoto

 

 

Hiroshi Sugimoto es uno de los grandes artistas de la fotografía contemporánea nacido en Tokio en 1948. Desde los años setenta asentado en Nueva York, su obra gira en torno a su forma de observar y experimentar. Utiliza la cámara como vehículo para responder sus preguntas haciendo siempre un paralelo entre la técnica y la curiosidad. Utiliza cámaras de placa, o de gran formato. Entre sus diversos trabajos hay obras de fotografía, escultura, arquitectura como artista-diseñador, entre otras. En toda su obra hay un importante interés sobre lo formal, el encuadre y el tiempo. 

La serie Theatres, 1978, es la esencia de la búsqueda fotográfica de Sugimoto sobre su forma de ver y mostrar el mundo, donde hace un paralelismo entre el obturador y el ojo humano. Preguntándose sobre la posibilidad de capturar una película entera en un sólo frame, experimenta dejando el obturador abierto durante el film completo, con una única fuente lumínica; la pantalla. De alguna forma, el tiempo de exposición es determinado por la longitud del film.

Si algo caracteriza las fotografías en blanco y negro de Sugimoto es el el uso de la luz natural, las sombras y la pureza de formas, algunas muy próximas a lo pictórico. Ante muchas de ellas, obliga al espectador no sólo a contemplarlas sino a pensarlas; como sus conocidos paisajes marinos, de una inmutabilidad que hace perder la noción del tiempo. Nos invitan a una constante reflexión sobre el origen e historia del mundo y de nuestra cultura donde conceptos como espacio y tiempo son explorados ampliando nuestra formas de percepción. 

Sin preámbulo empezamos nuestra conversación en su austero estudio de Nueva York. Grandes ventanales inundan de luz su despacho presidido por dos fotografías: la rueda sobre sillín de Duchamp y una de sus teatros.

 

 

Aquí algo de su obra:

 

 

 

 

 

 

 

 

David Levinthal

 

 

Es un fotógrafo estadounidense mejor conocido por sus imágenes de muñecas y juguetes escenificados con una iluminación dramática, haciéndolos parecer humanos. A través de su fotografía, el artista aborda el sexismo, el racismo y la política desde un punto de vista íntimo, aunque poco convencional, como se ve en sus series “Mein Kampf”, “Wild West” y “Modern Romance”.

Desde principios de la década de 1970, David Levinthal ha estado explorando la relación entre las imágenes fotográficas y las fantasías, los mitos, los eventos y los personajes que dan forma al panorama mental de los estadounidenses contemporáneos. Su trabajo ha sido una piedra de toque para las conversaciones sobre las teorías de la representación en la fotografía y el arte contemporáneo, ya que ha investigado la superposición de las imágenes populares con la fantasía personal a través de todas sus series principales, incluidas Hitler Moves East, Modern Romance, Wild West, Desire, Blackface, Barbie, béisbol e historia. En 2018, el Museo George Eastman presentó David Levinthal: War, Myth, Desire, la retrospectiva más grande de su trabajo hasta la fecha, acompañada de la publicación más completa jamás producida sobre su trabajo. Ha recibido una beca del National Endowment for the Arts y una beca Guggenheim. 

 

Aquí algo de su obra:

 

 

 

Matthew Albanese

 

 

La fascinación de Matthew Albanese por el cine, los efectos especiales y la magia del cine, y la mecánica detrás de estas ilusiones, comenzó temprano. Nacido en el norte de Nueva Jersey en 1983, Albanese pasó una infancia itinerante moviéndose entre Nueva Jersey y el norte del estado de Nueva York. Hijo único, Albanese disfrutaba del juego imaginativo y solitario. Le encantaban las miniaturas y creaba escenarios intrincadamente ambientados con objetos domésticos y su extensa colección de figuras de acción. Después de obtener una licenciatura en Bellas Artes en Fotografía en la Universidad Estatal de Nueva York, Compra, Albanese trabajó como fotógrafo de moda, enfocando su lente en bolsos, zapatos de diseñador y accesorios; esta especialización en objetos pequeños se conoce en el comercio minorista como “fotografía de mesa”. El ojo creativo de Albanese pronto se centró en los juegos de mesa de una naturaleza más salvajemente ecléctica. En 2008, un bote de pimentón derramado lo inspiró a crear su primer mini paisaje de Marte. Siguieron más dioramas diminutos, hechos de especias, comida y objetos encontrados. En 2011, Albanese fue invitada a exponer en el Museo de Arte y Diseño de Nueva York. Su trabajo también se ha exhibido en el Museo de Arte Contemporáneo de Virginia, la Galería Winkleman y Muba, Tourcoing France. Matthew está representado en la Benrubi Gallery de Nueva York.

 

Aquí algo de su obra:

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Eadweard Muybridge

 

 

Fotógrafo e inventor inglés nace bajo el nombre de Edward James Muggeridge en Kingston-upon-Thames en 1830. En 1850 viajó a Estados Unidos y aprendió fotografía con el daguerrotipista neoyorquino Silas Selleck. Hacia 1860, comenzó a fotografiar paisajes, sobre todo en el Valle de Yosemite. Estas fotos en gran formato le valieron un reconocimiento en 1869, época en la que inventó uno de los primeros obturadores para cámara. Hasta 1872 firmaba sus fotografías con el seudónimo de Helios. A mediados de 1870, viajó a México y América Central para documentar aspectos de la vida indígena y fotografiar el Istmo de Panamá. 

En 1879 concibió lo que llamó Zoopraxiscopio, mecanismo que generaba la ilusión de movimiento por medio de la rotación de una imagen. La máquina proyectaba fotografías en una pantalla de manera rápida y secuencial. Es considerado el inventor del primer proyector de fotografías animadas y precursor del cine. Publicó varios libros como The Horse in Motion y The Attitudes of Animals in Motiony Animal Locomotion (1887). Murió en Kingston en 1904 dejando 11 volúmenes con 781 fotograbados..

 

Aquí algo de su obra:

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Laurie Simmons

 

 

Laurie Simmons nació en Long Island, Nueva York. Recibió un B.F.A. de la Escuela de Arte Tyler en la Universidad de Temple en Filadelfia en 1971 y luego se mudó a Nueva York donde vive.

Desde mediados de la década de 1970, Simmons ha puesto en escena escenas para su cámara con muñecas, muñecos de ventrílocuo, objetos en las piernas y, en ocasiones, personas, para crear "imágenes con subtextos intensamente psicológicos".

 En 1978, Simmons comenzó a fotografiar en color las figuras de la casa de muñecas, para crear la serie "Early Color Interiors". En ese momento, la fotografía en color era "... más comúnmente asociada con el artificio de la fotografía comercial, mientras que el blanco y negro se percibía como más veraz. Mediante el uso de técnicas y procesos identificados con la publicidad, la moda y el cine, Simmons vinculó su obra a un reino de creencias suspendidas, el reino de la fantasía y la ficción que sustentó muchos de sus recuerdos y anhelos".

En 2001, Simmons diseñó, con el arquitecto Peter Wheelwright, una casa de muñecas modernista interactiva llamada "Kaleidoscope House". La casa estaba decorada con obras de arte en miniatura y muebles de artistas y diseñadores contemporáneos. También en 2001, Simmons comenzó su serie "Instant Decorator", que se basó en un libro de decoración de interiores de 1976 del mismo nombre, que proporcionaba plantillas de habitaciones domésticas para que el cliente las llenara con muestras de tela y pintura. La serie presenta trabajos que parecen collage y están opulentamente llenos de accesorios y personajes en dramáticas puestas en escena.

 

Aquí algo de su obra:

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 James Casebere

 

James Casebere (estadounidense, nacido en 1953) es un conocido fotógrafo y artista de instalaciones. Casebere nació en Lansing, MI, y creció en las afueras de Detroit. Primero asistió a la Universidad Estatal de Michigan y, en 1976, se graduó de la Facultad de Arte y Diseño de Minneapolis con un BFA. Al año siguiente, Casebere asistió al Programa de Estudios Independientes de Whitney en Nueva York. Más tarde se mudó a Los Ángeles y, mientras vivía allí, estudió con Doug Huebler (estadounidense, 1924–1997) y John Baldessari (estadounidense, nacido en 1931). En 1979, Casebere recibió un MFA de CalArts.

Los primeros trabajos de Casebere se asocian principalmente con artistas posmodernos que surgieron durante la década de 1980. Los primeros cuerpos de trabajo de Casebere presentaban imágenes de la típica casa suburbana estadounidense. Este trabajo fue seguido por instalaciones escultóricas y fotografías del oeste americano, a menudo bajo una luz humorística. A principios de la década de 1990, Casebere comenzó a centrarse en el desarrollo de varias instituciones culturales durante la Ilustración. A fines de la década de 1990, Casebere comenzó a producir fotos expansivas de imágenes inundadas. Estos trabajos incluyen Two Tunnels , Flooded Hallway y Four Flood Arches, Nevision Underground, Monticello .

Después de 2011, Casebere comenzó a mirar hacia el Mediterráneo oriental y España en busca de inspiración. La primera de sus nuevas obras se inspiró en la Andalucía del siglo X, basada en la cooperación que existía entre las culturas judía, islámica y cristiana de la época. Casebere también se ha ganado la reputación de desarrollar modelos complejos y luego fotografiarlos en su estudio. Como parte de su trabajo, Casebere hace referencia al cine, la historia del arte y la arquitectura. Casebere utiliza materiales simples y los reduce a sus formas más esenciales para crear las construcciones de sobremesa utilizadas en sus espacios abandonados.

 

Aquí algo de su obra:

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Thomas Demand

 

Thomas Cyrill Demand es un escultor y fotógrafo alemán. Actualmente vive y trabaja en Berlín y Los Ángeles, y enseña en la Universidad de Bellas Artes de Hamburgo.

Es conocido por tomar fotografías de modelos tridimensionales que parecen imágenes reales de habitaciones y otros espacios, a menudo sitios cargados de significados sociales y políticos. Por tanto, se describe a sí mismo no como un fotógrafo, sino como un artista conceptual para quien la fotografía es una parte intrínseca de su proceso creativo. Después de estudiar escultura con Fritz Schwegler en la Kunstakademie Düsseldorf junto a Katharina Fritsch y Thomas Schütte, Demand comenzó su carrera como escultor.

 

Debido a que trabaja con modelos, la ausencia de personas en sus fotografías es “conspicua y temática”. La demanda más cercana que ha llegado a representar a las personas son las siluetas recortadas de los políticos y los jefes de estado representados en los marcos de fotos dispuestos en el piano de cola de Sir Edward Heath (Flügel / Grand Piano, 1993). Además, todo rastro de lenguaje ha desaparecido por completo: los papeles esparcidos por la mesa de trabajo y el piso en Büro (Oficina) (1995) no tienen texto sobre ellos; Las etiquetas al lado de los timbres que son el tema de Hinterhaus (2005) tienen varios colores pero no llevan nombres.

 

 Aqui algo de su obra: 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 Dina Goldstein

 

Es una fotógrafa canadiense reconocida por su trabajo “Las princesas Caídas” una colección de fotografías donde las principales princesas de los cuentos de hadas no terminan siendo tan felices como lo imaginábamos.

“Si los cuentos de hadas fuesen llevados a la realidad y aquellas princesas que consideramos perfectas fuesen mujeres de carne y hueso, seguramente terminarían como aparecen en las fotografías”, afirma la artista.

Un proyecto que ha despertado la curiosidad de más de uno, si en realidad estas fotografías pudiesen convertirse en realidad, Bella del cuento de La Bella y la Bestia sería adicta a las cirugías plásticas y Ariel de La Sirenita terminaría encerrada en un acuario.

 

 

 

 

 

 

 

 

Jeff Wall

 

(29 de septiembre de 1946) es un fotógrafo canadiense.

Primero estudió historia del arte, pero pronto comenzó a trabajar en el campo artístico. Por lo general, cuenta con fotografías retroiluminadas de gran formato con enormes cajas de luz. Wall se llama a sí mismo "un pintor de la vida moderna" y a menudo basa el contenido y la forma de sus imágenes en el realismo del siglo XIX o en pinturas de Édouard Manet. Wall se prepara con mucha anticipación para tomar una fotografía: todas las escenas son interpretadas por actores, representadas en grandes sets, fotografiadas y, a veces, ensambladas o posproducidas digitalmente. A primera vista, las imágenes de Wall carecen de un impacto espectacular, pero comunican su compleja estructura solo después de una larga observación. Pared muestra los símbolos de la vida moderna, incluye las formas del paisaje urbano como una imposición de la acción social. Los actores escenificados por Wall se funden con los actores de la vida, creando una visión surrealista del mundo que hace frágiles las certezas de la acción humana en nuestro tiempo. La primera retrospectiva italiana dedicada a Jeff Wall se celebró en el Pabellón de Arte Contemporáneo de Milán. En 2002 recibió el Premio Hasselblad.

Sus fotografías a gran escala se apropian del lenguaje visual de la publicidad en el uso de transparencias retroiluminadas y de gran escala. Los temas son reconstrucciones “cinematográficas” de momentos cotidianos, ficción e historia del arte, a los que se refiere como “casi documentales”

 

 

 

 

 

 

Hannah Starkey

 

 

Nacida en Belfast, Starkey estudió fotografía y cine en la Universidad Napier, Edimburgo, ( 1992-1995 ) y la fotografía en el Royal College of Art, Londres (1996-97 ). En la actualidad vive y trabaja en Londres.

Esta fotógrafa británica contemporánea mejor conocida por sus imágenes de mujeres en escenarios organizados, que imparte una calidad narrativa a las personas dentro de ellas. Ella ha dicho de sus propias fotografías que son “exploraciones de experiencias cotidianas y observaciones de la vida del centro de la ciudad desde una perspectiva femenina”. Las mujeres que aparecen en ellas son actrices y desconocidas anónimas a las que pide posar, a menudo en contraste con reflejos e iluminadas estratégicamente. . Nacida en 1971 en Belfast, Irlanda, Starkey estudió fotografía en la Universidad Napier de Edimburgo y recibió su maestría en fotografía del Royal College of Art de Londres en 1997. Las obras de Starkey se pueden encontrar en las colecciones de la Tate Gallery de Londres. , el Museo Irlandés de Arte Moderno de Dublín y el Museo de Arte de Seattle, entre otros. Ella vive y trabaja en Londres, Inglaterra.