James Casebere

 

James Casebere (estadounidense, nacido en 1953) es un conocido fotógrafo y artista de instalaciones. Casebere nació en Lansing, MI, y creció en las afueras de Detroit. Primero asistió a la Universidad Estatal de Michigan y, en 1976, se graduó de la Facultad de Arte y Diseño de Minneapolis con un BFA. Al año siguiente, Casebere asistió al Programa de Estudios Independientes de Whitney en Nueva York. Más tarde se mudó a Los Ángeles y, mientras vivía allí, estudió con Doug Huebler (estadounidense, 1924–1997) y John Baldessari (estadounidense, nacido en 1931). En 1979, Casebere recibió un MFA de CalArts.

Los primeros trabajos de Casebere se asocian principalmente con artistas posmodernos que surgieron durante la década de 1980. Los primeros cuerpos de trabajo de Casebere presentaban imágenes de la típica casa suburbana estadounidense. Este trabajo fue seguido por instalaciones escultóricas y fotografías del oeste americano, a menudo bajo una luz humorística. A principios de la década de 1990, Casebere comenzó a centrarse en el desarrollo de varias instituciones culturales durante la Ilustración. A fines de la década de 1990, Casebere comenzó a producir fotos expansivas de imágenes inundadas. Estos trabajos incluyen Two Tunnels , Flooded Hallway y Four Flood Arches, Nevision Underground, Monticello .

Después de 2011, Casebere comenzó a mirar hacia el Mediterráneo oriental y España en busca de inspiración. La primera de sus nuevas obras se inspiró en la Andalucía del siglo X, basada en la cooperación que existía entre las culturas judía, islámica y cristiana de la época. Casebere también se ha ganado la reputación de desarrollar modelos complejos y luego fotografiarlos en su estudio. Como parte de su trabajo, Casebere hace referencia al cine, la historia del arte y la arquitectura. Casebere utiliza materiales simples y los reduce a sus formas más esenciales para crear las construcciones de sobremesa utilizadas en sus espacios abandonados.

 

Aquí algo de su obra:

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Thomas Demand

 

Thomas Cyrill Demand es un escultor y fotógrafo alemán. Actualmente vive y trabaja en Berlín y Los Ángeles, y enseña en la Universidad de Bellas Artes de Hamburgo.

Es conocido por tomar fotografías de modelos tridimensionales que parecen imágenes reales de habitaciones y otros espacios, a menudo sitios cargados de significados sociales y políticos. Por tanto, se describe a sí mismo no como un fotógrafo, sino como un artista conceptual para quien la fotografía es una parte intrínseca de su proceso creativo. Después de estudiar escultura con Fritz Schwegler en la Kunstakademie Düsseldorf junto a Katharina Fritsch y Thomas Schütte, Demand comenzó su carrera como escultor.

 

Debido a que trabaja con modelos, la ausencia de personas en sus fotografías es “conspicua y temática”. La demanda más cercana que ha llegado a representar a las personas son las siluetas recortadas de los políticos y los jefes de estado representados en los marcos de fotos dispuestos en el piano de cola de Sir Edward Heath (Flügel / Grand Piano, 1993). Además, todo rastro de lenguaje ha desaparecido por completo: los papeles esparcidos por la mesa de trabajo y el piso en Büro (Oficina) (1995) no tienen texto sobre ellos; Las etiquetas al lado de los timbres que son el tema de Hinterhaus (2005) tienen varios colores pero no llevan nombres.

 

 Aqui algo de su obra: 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 Dina Goldstein

 

Es una fotógrafa canadiense reconocida por su trabajo “Las princesas Caídas” una colección de fotografías donde las principales princesas de los cuentos de hadas no terminan siendo tan felices como lo imaginábamos.

“Si los cuentos de hadas fuesen llevados a la realidad y aquellas princesas que consideramos perfectas fuesen mujeres de carne y hueso, seguramente terminarían como aparecen en las fotografías”, afirma la artista.

Un proyecto que ha despertado la curiosidad de más de uno, si en realidad estas fotografías pudiesen convertirse en realidad, Bella del cuento de La Bella y la Bestia sería adicta a las cirugías plásticas y Ariel de La Sirenita terminaría encerrada en un acuario.

 

 

 

 

 

 

 

 

Jeff Wall

 

(29 de septiembre de 1946) es un fotógrafo canadiense.

Primero estudió historia del arte, pero pronto comenzó a trabajar en el campo artístico. Por lo general, cuenta con fotografías retroiluminadas de gran formato con enormes cajas de luz. Wall se llama a sí mismo "un pintor de la vida moderna" y a menudo basa el contenido y la forma de sus imágenes en el realismo del siglo XIX o en pinturas de Édouard Manet. Wall se prepara con mucha anticipación para tomar una fotografía: todas las escenas son interpretadas por actores, representadas en grandes sets, fotografiadas y, a veces, ensambladas o posproducidas digitalmente. A primera vista, las imágenes de Wall carecen de un impacto espectacular, pero comunican su compleja estructura solo después de una larga observación. Pared muestra los símbolos de la vida moderna, incluye las formas del paisaje urbano como una imposición de la acción social. Los actores escenificados por Wall se funden con los actores de la vida, creando una visión surrealista del mundo que hace frágiles las certezas de la acción humana en nuestro tiempo. La primera retrospectiva italiana dedicada a Jeff Wall se celebró en el Pabellón de Arte Contemporáneo de Milán. En 2002 recibió el Premio Hasselblad.

Sus fotografías a gran escala se apropian del lenguaje visual de la publicidad en el uso de transparencias retroiluminadas y de gran escala. Los temas son reconstrucciones “cinematográficas” de momentos cotidianos, ficción e historia del arte, a los que se refiere como “casi documentales”

 

 

 

 

 

 

Hannah Starkey

 

 

Nacida en Belfast, Starkey estudió fotografía y cine en la Universidad Napier, Edimburgo, ( 1992-1995 ) y la fotografía en el Royal College of Art, Londres (1996-97 ). En la actualidad vive y trabaja en Londres.

Esta fotógrafa británica contemporánea mejor conocida por sus imágenes de mujeres en escenarios organizados, que imparte una calidad narrativa a las personas dentro de ellas. Ella ha dicho de sus propias fotografías que son “exploraciones de experiencias cotidianas y observaciones de la vida del centro de la ciudad desde una perspectiva femenina”. Las mujeres que aparecen en ellas son actrices y desconocidas anónimas a las que pide posar, a menudo en contraste con reflejos e iluminadas estratégicamente. . Nacida en 1971 en Belfast, Irlanda, Starkey estudió fotografía en la Universidad Napier de Edimburgo y recibió su maestría en fotografía del Royal College of Art de Londres en 1997. Las obras de Starkey se pueden encontrar en las colecciones de la Tate Gallery de Londres. , el Museo Irlandés de Arte Moderno de Dublín y el Museo de Arte de Seattle, entre otros. Ella vive y trabaja en Londres, Inglaterra.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 Gregory Crewdson

 

Gregory Crewdson es un fotógrafo nacido en Brooklyn, Nueva York, en 1962, famoso por sus fotografías surrealistas en hogares y vecindarios de los Estados Unidos. Con diez años, su padre le lleva a ver una exposición de Diane Arbus en el MoMA, una experiencia que le lleva a decidir ser fotógrafo.

En la serie Crepúsculo, Crewdson explora la iconografía del paisaje y la naturaleza de los suburbios estadounidenses, revelando ansiedades psicológicas, miedos y anhelos. Los ambientes domésticos (indicados por todos sus adornos tradicionales de cajas de jabón, recipientes de leche, cajas de detergente, etc.) a menudo se muestran al borde de la naturaleza, amenazando con romper su frágil equilibrio. Estas escenas de la hora del crepúsculo, en las que tanto la luz natural como la artificial están presentes, sugieren un momento de metamorfosis.

 

En Sin título, 1999, de la serie, Crewdson captura el llamado trascendental de una mujer suburbana aparentemente ordinaria que ha creado una gran escultura de flores en su garaje, aparentemente en piloto automático. Como voyeurs, estamos fascinados por el acto extraordinario de una persona que arriesgaría la destrucción de su hogar, su familia y su persona por el bien de su obra maestra. La motivación de la figura para hacer este montón, al igual que la motivación para crear arte, se representa como poseedora de todo.

 

Como profesor de fotografía en la Universidad de Yale, Crewdson ha tenido una gran influencia en sus alumnos y es un precursor de un grupo de fotógrafos que utilizan modelos cuidadosamente ensamblados y componentes escenificados. Estos artistas combinan estilos tradicionales de fotografía documental con elementos ficticios. Al emplear esta técnica, el fotógrafo ya no experimenta pasivamente el mundo y luego lo edita, sino que crea activamente el mundo y luego lo fotografía.